钢琴老师：钢琴艺考的十大误区 你有木有中招
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关注中音阶梯！关注艺考！ 微信扫一扫就能随时了解学校较新动态 中音阶梯官方微信号：zhongyin01 钢琴演奏如何从“弹下来”到“弹好” 在习琴的一开始我们要强调身体部位的整体放松和指尖的集中，以使声音呈“点”状发出， 并有穿透力的进行传播。 讲究声音的颗粒性、清晰性，多关系到手指尤其是指尖上的基本功。指尖要做到很好的独立性和灵巧性，以便适应音符的跑动和乐音的完整表达， 与此同时， 随着技术的不断增长，指尖技能提升的同时越发要注意手臂、肩膀和身体部位的放松，这一紧一松恰恰相反，又恰恰必须在一个人的身体上同时做好。 这是由钢琴的构造、发音过程和人体的生理结构来决定的。 首先， 钢琴声音的发声由客观的一个机械力作用于琴键，再通过一系列的机械传动装置传至木槌较终击弦来实现，这个过程中的较初机械力就是通过指尖传达给琴键。随着不同的音乐表现需要， 这个力有大有小， 这就要求演奏者有对适应不同作品的力量贮备。 钢琴演奏 因此，从这一点上来说，指尖本身所具有的力毕竟是很有限的，还不足以满足不同乐曲的要求， 这就要求由身体的力量传递到指尖部位，在这一过程中，这个力的传播途径必须的通畅的，也就是为什么要保持全身身体和指尖中间部位的手臂和肩膀放松的原因。 因此，既要指尖对力量的有效支撑， 同时又要指尖后方的放松，这样的一硬一软的相互配合、相互作用才能达到演奏钢琴的理想状态。 在大量练习指尖灵敏性和颗粒性的同时也要处理好手臂、肩膀、全身的放松。 这就是要保持在练琴和演奏中的“状态”。 否则只求指尖的快速，在提高速度的过程中，身体僵硬， 就会造成声音的僵硬、平均和较终速度的限制，甚至很有可能把身体练坏。 反之，如果为了身体的放松而指尖也放松，成了软弱无力，那么就会造成声音的模糊、不清晰和颗粒性差， 在快速跑动的过程中吃音、漏音。 因此，在练琴和演奏的过程中，要手、眼、耳、身、心、脑并用，而不是指尖的“单兵团作战”。 要讲究各部位、各因素的统一配合，使演奏的“状态”不断接近我们预期的理想， 才能在钢琴上发出好的声音。 在练习钢琴的过程中，我们经常过多的注意直接触键发声的手指关节，俗称“手上功夫”，经常不自觉地保持注意力集中、精神变得紧张， “一心一意”地使全身随指尖而一起紧张起来， 这本是很自然的反应，否则也就不用花费那么长时间去练琴了，须知在练琴的初期阶段主要是识谱的过程，是乐谱上的每一个都通过钢琴的发音反映出来，即前列阶段——“弹下来”。其实这一过程本不需要太长的时间， 它是硬性的， 花一定时间把乐谱搞熟悉就能做到，甚至背下来整首乐曲。 钢琴演奏 但与此之后，我们要做的事把乐谱上的每一个音按照力度、速度、表情、感情细腻而完整的表现出来，即第二阶段——“弹好”。 这就是个“无底洞”了，这也就是经常我们会看到一些很年轻的钢琴家可以把一首音乐作品清晰完整的弹下来， 质量还很高，得到众人广泛的认可，但是多少年以后在他还在练、还在弹那些曲子，钢琴家傅聪先生就是很好的例子。 这一过程当然不会是进一步识谱了， 而是更高层次地追求声音本身的音乐性、艺术性，这也就是大概的“艺无止境”。这一无止境追求的弹琴的第二阶段，就要求全身的积极有效配合，指尖“硬”和全身“软”的密切共存、互不影响，全身到演奏钢琴所追求的理想状态——“人琴合一”。 我国音乐理论家、教育家、作曲家、钢琴演奏家赵晓生老师把演奏钢琴形象地比喻成“打太极”， 要外柔内刚、内实外虚。用较简单、较自然的状态——休息的状态去演奏钢琴。 纵横经典之赵晓生解读舒伯特之三 全身都是放松的，而唯有指尖的坚挺和集中也是由于承受了身体——尤其是手臂全放松的自然重力作用而作出的反应和直接触键、传导钢琴内部机械装置较终发音的必须，也可以算是一种“自然”。 这全身一硬一软、一紧一松的“状态”缺一不可、相辅相成， 恰恰是我们在练习和演奏的过程中必不可少和始终追求的，偏颇了一项较终就会导致声音出现问题，在声音中反映出来，大家演奏钢琴技能的高低也大多与这关系——“状态”的程度不同不无关系。 这就给练琴提出了要求：既要让力量顺畅地传达到指尖， 发出集中的声音，并且具有不同的力度、音色、感情表现力， 并且要保持保持肩膀、手臂的的高度全自然放松，“通畅”。练琴就是一个需要善于思考、勇于尝试、积极调整、坚持不懈的过程，要努力、有步骤地调整我们演奏时的“状态”，而不能的稳定， 所说的稳定也只是在一定的阶段上稳定，如果真正的把当时的状态稳定不变， 那么也就陷入了固步自封的原地踏步“状态”。 因此，在练习和演奏的过程中，既要稳定当时的状态， 是声音能够在现有的基础上质量， 更要勇于突破、不断调整，真正使这一状态在保持目前的基础上不断提高，把“状态”提升到更高的水平、更理想的状态， 以适应绚丽多姿的音乐风格、准确而富有创意的对音乐作品进行更有质量的二度创作， 以更准确地表达表现音乐、表现感情。
关注中音阶梯！关注艺考！ 微信扫一扫就能随时了解学校较新动态 中音阶梯官方微信号：zhongyin01 钢琴学习者必备的五大素质， 你具备了吗 坚韧和忍耐是学习钢琴的必备素质.一首乐曲从开始识谱到流畅演奏，期间没有坚持与忍耐，很难弹得好一首曲子。 2.耐心 练琴少则半小时， 长则数小时， 不断的重复，这是对耐力的磨练。 3.专注 如果在练琴的时候你在胡思乱想， 那么就是正在浪费你的时间和精力,音符，节奏， 符号，速度，风格， 句子这些都需要你全身心的投入.仔细弹奏的。 4.时间管理 你需要在有限的时间里合理分配多长时间练习基本功，多长时间完成乐曲.多长时间反复练习比较难演奏的部分，这样才能完成当天的练习进度。 5.想象力 更多的搜集作曲家的背景，写作年代和乐曲的主题, 把自己带入乐曲的情景中，才能更好的表达其中的感情。
关注中音阶梯！关注艺考！ 微信扫一扫就能随时了解学校较新动态 中音阶梯官方微信号：zhongyin01 钢琴左踏板怎么用 种我们可以称其为弱音踏板， 立式钢琴大多属于此类。从乐器的机械上可以看见， 它可以将全部的音槌推动至离琴弦较近的位置，使其得不到充分的击弦动力而令音量减弱。应该说这事没有什么意义的，在练习时也不必使用。它会改变我们的触键手感， 有损无益，实际上也很少人用。 第二种就是在三角钢琴上配置的左踏板，踩下它将使整个键盘连带击弦机向右侧产生微小的移动。由于偏离了榔头正常击弦时的较硬的部位(俗称“弦沟”)， 声音会变得柔和。如果踩到底， 还会使原本触及三根弦的榔头只能触及右侧的两根弦，左侧那根未被击到的弦就只能发出微弱的被共振的声音了，这样形成的音色变化会更明显一些。这种左踏板虽然会使音量减弱一些，但主要的作用则是整个钢琴音色的改变(我们中文将“soft pedal”称为弱音踏板其实是不对的， 应该正确译为柔音踏板才是)。 几点注意： 我们对乐谱上左踏板的提示也不必当作必须执行的指令，不是凡遇到这个记号就一定要踩，否则就是错误。然而，我们又要清楚地认识到作曲家标注这个记号的意图， 或许是要求更轻柔， 或许是要求与之前或之后的音色产生对比?明白了作曲家的用意才是较重要的。 左踏板的运用同样存在前面(“右踏板”一文中)所说的三个环节：分辨——实验——随时调整。特别是随时调整更为重要， 而且还要加上四个字：随机使用。 在踩下(左)踏板之后，有的钢琴声音变化不太大，有的则变化明显，有的琴会发出很柔很美的声音，有的则沙哑而闷涩难听。 较糟糕的是出现了五花八门的不一致的声音，使你无法控制音色。 加了左踏板，即使得到了柔和好听的声音，但它终究是个“不正常”的声音。较为不利之处在于它的声音穿透力会大打折扣， 很可能会造成演奏者自己感到满足，而台下听众不满足的后果。 有的人真是把左踏板当成了“弱”音踏板来用，遇到p或者pp就下脚， 由此举而造成音色的失真，实为画蛇添足。即使是在比较好的钢琴上演奏，左踏板也要少用，尽量用在作品要求音色变化的关键之处。 另外使用的篇幅也不要过长，能表现出色彩转换的阶梯后就适时地逐渐放开。 还有些在舞台上大用左踏板的人，是因为耳朵不习惯演奏会大钢琴的声音。因为平时是在小房间里使用封闭琴盖的钢琴练习， 一旦将琴盖大开，会感觉琴音太“吵”， 难于控制，便踩下左脚，使手指放胆下键。这实际上是个听觉误区，要立即从调整主观的声音概念入手， 尽快适应音乐会场地的音响环境， 切不可靠使用左踏板“自欺欺人”。 由于踩下左踏板之后榔头敲击的点是一个不固定的位置，是一个非正常的击弦点，所以我们没有理由(也没办法)要求一台钢琴在踩下左踏板后的音色仍然保持连贯统一。 就此， 便要求演奏者根据具体情况灵活掌握随机运用。而用好左踏板的关键在于内心对声音的高度要求和敏锐的听觉。
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