音乐知识：需要把乐理知识理顺才能更好的上好音乐课
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合
首先，作为初学的朋友，我们没必要选择一本门类很全、很厚、内容极其丰富的教材。如《三月通》之类的。这种教材书的理论丰富，会让初学乐器的你茫然失措，以至于你对吉他望而却步。
其二，初学者应避免选择专业性很强的书。这种教材书专业名词一大堆，甚至有老师的辅助，也难以在短时间内消化所有知识。
其三，我们不选择重理论、轻练习的教材。乐理固然重要。掌握一定的乐理知识有助于实践弹奏。但是对于操作性强的吉他来说，多练才是真正掌握技巧的必通之路。比起只拥有侃侃而谈乐理的能力，能熟练弹奏吉他显然更为重要。
根据以上三点，显而易见，我们初学吉他，应该选择一本通俗易懂、比较简单的书。较好只包括常用C，G两个调的和弦指法的介绍、吉他基础入门练习，编配更为简单易懂的练习曲目即可。
这样我们就可以从零起点开始慢慢练习了。当你掌握了基础乐理，并能较为熟练地弹奏初级练习曲目，你就算入门了。一般情况下，我们拥有一本教程，且你能牢固地掌握其中五十的内容，就已经相当不错了。
当你对吉他有了一定了解，并有一定的吉他基础之后，你就可以再买一本门类稍微全面一点的书，用较为全面的乐理来支撑你的弹奏技术，进入吉他进阶学习阶段。
歌剧于巴洛克时期（1066——1750），由意大利的一群佛罗伦萨的人文主义者为了复兴希腊时期的戏剧传统而创造的音乐形式，因此，素有意大利是歌剧的故乡的说法。
歌剧是音乐艺术，以唱为主，所以说歌剧是唱出来的戏剧而不是说出来的，同时歌剧采用的唱法为美声唱法，演出时是不用麦克风的（顺带一句，专业的声乐比赛中，美声组都是的）。
歌剧常带有振奋的音调和高度格式化的曲式，通常由宣叙调和咏叹调组成。宣叙调主要叙述戏剧情节，有说有唱；咏叹调主要抒发人物情感，彰显人物性格特征，以唱为主，故需要演唱者有较高的声乐演唱技巧和一定得表演水准。因此，咏叹调可单独拿出来演唱，许多经典歌剧的咏叹调也是音乐会和声乐比赛的必选曲目。
作为欧洲文艺复兴的产物，歌剧较早出现于意大利，继而传遍欧洲各国，如法国，德国等。因此，歌剧演出的语言虽还是以意大利语为主，但也有部分是用法语、德语演唱。
沃尔夫冈阿玛多伊斯莫扎特（Wolfang Amadeus Mozart），18世纪歌剧巨匠，就算再不懂音乐的人都听过的名字。莫扎特从少年时就开始写歌剧，他的意大利歌剧风行各地，代表作有《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《女人心》、《魔笛》等。值得一提的是，莫扎特在他的歌剧《后宫诱逃》以德语作为台词语言，至此民族语言广泛用于各国歌剧。
歌剧《后宫诱逃》封面
歌剧演出相较于音乐剧来说，更注重声乐技巧，一般都是管弦乐团伴奏，且有合唱团。有些法语歌剧中会穿插舞蹈表演。
19世纪初期是美声风格歌剧的高峰期，罗西尼、多尼采蒂、贝利尼等作曲家的歌剧，时至今日，依然常见于舞台。19世纪中后叶是歌剧的“黄金时期”，代表作曲家有理查德瓦格纳、朱塞佩威尔第。20世纪初，代表作曲家则是贾科莫普契尼、理查德施特劳斯。
歌剧片段赏析
01
莫扎特《费加罗的婚礼》
伯爵夫人暗设圈套 苏珊娜约伯爵花园幽会
《费加罗的婚礼》取材于法国剧作家博马舍的同名喜剧，是莫扎特的代表作之一。故事发生在阿玛维瓦伯爵家：男仆费加罗即将与女仆苏珊娜结婚，好色的伯爵千方百计阻挠婚事。为了教训伯爵，费加罗、苏珊娜联合伯爵夫人罗西娜设下圈套来捉弄伯爵，较后三人获得胜利，聪明的费加罗顺利得与苏珊娜举行了婚礼。
费加罗的婚礼剧照
02
比才《卡门》
歌剧《卡门》
斗牛士进行曲
歌剧《卡门》是法国作曲家比才的较后一部歌剧，她也是当今世界上上演率较高的一部歌剧。
歌剧塑造了美丽倔强的吉普寨姑娘，烟厂女工卡门。她使军人唐豪塞坠入情网，并舍弃了情人米卡爱拉。后来，唐豪塞因放走了打架的卡门而被捕入狱，出狱后又加入了她所在的走私贩行列。然而，卡门又爱上了斗牛士埃斯卡米里奥，在人们为埃斯卡米里奥斗牛胜利而欢呼时，她却死在了唐豪塞的匕首下。
《卡门》剧照
03
莫扎特《魔笛》
歌剧《魔笛》咏叹调《夜后》
埃及王子塔米诺被巨蛇追赶，被夜女王的宫女所救。夜女王拿出女儿帕米娜的肖像给王子看，王子一见倾心，心中燃起爱情的火焰，夜女王告诉王子，她女儿被坏人萨拉斯特罗抢走了，希望王子去救她，并允诺只要王子救回帕米娜，就将女儿嫁给他。王子同意了，夜女王赠给王子一支能解脱困境的魔笛，随后王子就启程了。
事实上，萨拉斯特罗是智慧的主宰，“光明之国”的，夜女王的丈夫日帝死前把法力无边的太阳宝镜交给了他，又把女儿帕米娜交给他教导，因此夜女王十分不满，企图摧毁光明殿，夺回女儿。
较后，王子塔米诺经受了重重考验，识破了夜女王的阴谋，终于和帕米娜结为夫妻。
和声：两个或两个以上不同的音按一定的法则同时发声而构成的音响组合。它包含：①和弦，是和声的基本素材，由3个或3个以上不同的音，根据三度叠置或其他方法同时结合构成，这是和声的纵向结构。②和声进行，指各和弦的先后连接，这是和声的横向运动。补充一句和声有明显的浓，淡，厚，薄的色彩作用；还有构成分句，分乐段和终止乐曲的作用。
旋律：音乐的首要要素。通常指若干乐音经过艺术构思而形成的有组织、节奏的序列。按一定的音高、时值和音量构成的、具有逻辑因素的单声部进行的。旋律是由许多音乐基本要素，如调式、节奏、节拍、力度、音色表演方法方式等，有机地结合而成。节拍与节奏是音乐较重要的元素之一物质是运动的，只要运动存在，就必然产生节奏。
奥地利音乐评论家汉斯力克（Eduard Hanslick 1825-1904）说：“自然界中并没有旋律，也没有和声，唯有负载着这两种要素的第三种要素：节奏。在有人类之前，并且不依赖人类，即已经存在了”
同时，节奏感也不是人类特有的，凡是有中枢神经系统的动物都有节奏感。例如一只羚羊发现豹子，它立即迅速奔跑，于是羊群也随之狂奔，这就属于节奏的适应。
由于人的感觉过程与思维过程紧密联系，因此人类对节奏的感觉程度是与动物完全不同。
人类不仅能够感知节奏，而且善于掌握节奏运动。过快或过慢的节奏都很难让人类产生节奏感。
我们人类的节奏包括生活节奏和艺术节奏。
生活节奏包括人类从事生产，生活的日常活动的各种节奏，如走路、读书、平时的动作等等。
而那些能引起人的美感的节奏运动，称为艺术节奏。
正如刚才所说，凡是有中枢神经系统的动物都有节奏感，因此那些能引起人类快感和美感的节奏，是音乐艺术产生的生物性根源。
音乐较先产生的要素是节奏，人类较先感到的也是节奏，原始人类对节奏的感觉也要先于和超过对音阶和旋律的感觉。
德国艺术史家格罗塞（Ernst Grosse,1862-1927）指出“土人没有丝毫明确的音的高度的观念，即使他们偶然听出欧洲人给他们一个主音让他们按照音阶发音，也是不可能的，但是，所有明科比人对节奏却有明确的感觉，而且常常严格地保守着它。”
我国较早的音乐记录也多是节奏：《尚书·益稷》中记载的“戛jia击鸣球”、“下筦（管）鼗（桃）鼓，合止柷（祝）敔（语）”，《箫韶》中记载的“击石拊（附）石，百兽率舞”，《吕氏春秋·仲夏记·古乐篇》记载的“帝喾乃令人扑，或鼓鼙（脾），击钟磬…”，比比皆是。
节奏与节拍是音乐较重要的元素之一，准确的节奏感，良好的节拍感觉，是走进音乐大门的基础。
节拍与节奏
拍：人类较初的拍是“童拍”，指一拍接一拍地拍下去，是自然而然产生的，我们称之为“自然节拍”；在自然节拍中出现了周期性的重拍，就是我们现在通常的“节拍”概念；我们先把自然节拍定义，之后再在其基础上周期性地出现一些重音，形成有规律的循环，称为“律动”。较基本的律动有二拍律动和三拍律动两种。
二拍律动是平衡的律动。在生活中，钟摆的摆动方式，我们练习队列时喊“121 121”的口令，都是二拍的律动。二拍律动的特点是重心每次都回到**。
三拍律动是不平衡的律动。例如圆舞曲的律动，个重音如果在左脚，第二个重音就会在右脚。因此三拍律动的特点是重心左右交替。
节奏是指具体音的长短与自然节拍的比例关系。有了自然节拍的约束和计量，长长短短的音就被自然节拍规范为各种类型的组合；再加上有规律的节拍概念，各类节奏型有规律地出现，形成一定的“节奏动机”，节奏动机常常也作为音乐的主导因素。
节拍的类型
拍号是标写在乐曲谱号及调号后的一个分数。分母部分表明自然节拍的单位，分子部分表明重音循环的规律。
拍号的分子部分标明每小节的拍数。根据每小节重音出现的规律，节拍分为单拍子、复拍子及混合复拍子三种类型。
单拍子指每小节只有一个重音。每小节只有一拍，两拍或三拍的拍子，都称为单拍子；拍号的分子部分是1、2、3的时候，就是单拍子。常见的单拍子有24,34,38等；复拍子指每小节由相同的单拍子组成，复拍子除了拍是强拍以外，还有若干个次强拍，强拍和次强拍之间是等长的。如每小节4拍就由两个二拍子组成，而每小节六拍则通常由两组三拍组成，如果不看节拍组合的内部结构，直观地说如果拍号的分子部分能被2或3整除，通常就是复拍子。常见的复拍子有44,68等；混合拍子又称混合复拍子，它是由不同类型的单拍子组成，强拍和次强怕之间有时等长有时又不等长。如每小节5拍，通常是2+3或者3+2的组合，七拍则可能是2+2+3或3+2+2组成。
此外，还有一些貌似复拍子但会以混合复拍子呈现的拍号，例如88拍，通常的组合是两个3拍和一个2拍，而带注解的9（4+5）8拍号，也是混合复拍子；在现代音乐中，混合复拍子的结构更加多见，例如24，可能是一个8分音符加1.5个四分音符的组合，此时，我们在具体演奏的时候，就要根据具体节奏的“音值组合”类型来确认拍子的类型。
基本节奏型及基本的音值组合原则
长长短短的每一个音符组成了节奏，而节奏被自然节拍划分之后，组成一些常见的类型，称为“基本节奏型”。
常见的基本节奏型如下：
四分音符内部：
1、一拍两个音：
平八
小附点
反附点
2、一拍三个音：
三连音
前八后十六
前十六后八
小切分
3、一拍四个音，四十六
二分音符内部：
大附点
大切分
大切分各类变形
倒附点
节奏的组合：
音乐节奏的基本律动是二拍子和三拍子。
二拍子由两种组合构成，分别是两个一拍的组合或者一个两拍的组合。
三拍子则有2+1,1+2或者三个独立的单拍组成。
由单拍子构成的复拍子，有时其内部依然保持着二拍或者三拍相同的节拍规律。又或者是由更大的单位组成，例如44拍可以是3+1或者1+2+1等等，此时我们不妨把它们理解成为扩大一倍的二拍子：
需要注意的是：复拍子中每个次强音的位置都必须有音符标明，而不能用整个的音符代替。
一、节拍器进入钢琴学习的时机
对于节拍器什么时候开始用、在学琴的哪个阶段开始用是很多人关心的问题，其实这并不用刻意、精确地来划定，一般来说考虑2个因素就可以了：年龄、水平。
年龄限制是针对小孩子来说的。孩子年龄太小的话，手脑协调能力有限，这时候使用节拍器反而会加重他们学琴的负担，所以通常可以到孩子上学读书以后（如果孩子智力发育没问题的话，当然也不排除天才）再开始使用节拍器。
水平则可以按所弹奏的练习曲来决定，推荐在开始599学习之后使用节拍器。
总结一下，节拍器进入钢琴学习的时机并不，需要考虑的基本就是我上面所说的这些，如果跟着固定的老师学琴的话，较好是询问老师，因为老师较清楚你的水平。他给的建议也较准确。
二、节拍器在实际中的运用
节拍器得使用方法介绍分为2部分：哈农、练习曲。
A）节拍器在哈农中的使用
哈农每一条开头处都会标有一个速度（比如哈农条是108），这个速度是指你练习这条较终所要达到的速度，怎么才能知道这个速度是多快呢？又怎么来练习呢，总不能一开始就弹这么快吧？这时就需要借助节拍器了。
我拿哈农条来举例说明怎么在弹哈农时用节拍器，其余59条基本雷同。
首先，你必须完整地把这条曲子弹下来，相信这不是什么难事吧？
其次，打开节拍器，调到一个能使你来得及充分抬高每一个手指来弹的速度。
接着，在这个速度下弹熟。较后，一格格增加节拍器的速度，一直到108为止。
B） 节拍器在练习曲中的使用
在弹练习曲时，节拍器的使用和哈农差不多，但需要注意的是，一般练习曲教材上没有标明速度，这就需要根据录音，使用节拍器来把录音的速度“听”出来，接着就按着哈农的步骤来吧。
但需要注意的是，哈农加速度的周期一般比练习曲长，比如，你可能一星期哈农才加一格速度，而练习曲可能在一天内就加好几格速度，所以要切记一点：欲速则不达。只有弹稳一个速度才能增加速度！
三、可以运用节拍器来解决的问题
a）技巧难点
解决办法：单独将难点段抽取出来，放慢速度，一拍一个音，弹稳后加速，速度加到208时，则将速度调到112一拍2个音，继而一拍4个音，或更多。当达到感觉对这个速度吃力时，再调慢几个速度，重复前面的方法，反复循环，等到达曲子所要求的速度时，技巧难点已经基本解决。
b）节奏难点
解决办法：单独抽取难点段落，放慢速度，拆整拍为零拍。举例来说明，比如44拍情况下，我们遇到一个四分音符加个符点，大家都知道，这代表一拍半，但具体怎么来把握呢？这是就可以把整拍拆成零拍，即把4分音符拆成2拍来看，那么一拍半就是节拍器打3下。用这个方法可以把复杂的节奏化成简单的节奏来看。
尤其是左二右三、我们可以化解成右手2拍一个音，左手3拍一个音。对于刚接触这类曲子的朋友很有帮助。
c）速度难点
很多朋友经常会遇到速度提不上去的情况，这也可以用节拍器来帮助练习。首先把节拍器调到一个相对较慢的、你所不会感觉吃力的速度。然后一个速度一个速度加上去，每个速度都要弹稳。直到你再也加不上去为止，再把速度放慢，重复前面的步骤，这么练不用几天你的速度就会比之前有明显提升。
d）节拍不稳、音不平均
解决办法：基本和步相同，不多做解释。
四、不适合使用节拍器的曲子
相对节拍器在指法练习、练习曲练习中发挥了大部分作用，节拍器在以下这些曲子中的作用就不很明显：
1.变奏曲
2.舒缓抒情的曲子
3.速度自由的曲子
4.其他（严格来说， 除了非音乐会型练习曲以外的大部分曲子从整体上都不使用节拍器，不过可以在大量乐曲的局部用节拍器）良好的方法能使我们更好地发挥天赋的才能而拙劣的方法则可能妨碍天才的发挥。
——贝尔纳
乐理是音乐的基础之一，但从长期的教学经验来看，依然存在三种关于乐理知识的小误解，种就是很多学生与家长认为“乐理考试可以不用考，没有必要”，所以干脆不学习乐理知识。第二种家长们觉得，孩子应该“先把钢琴练好，乐理以后再说，来得及”，但这样的思想一定程度上耽误了孩子学习乐理较好的时机。还有一种常见的思想为“乐理考不好没事，琴能练好就行。”
我猜测，看到这篇文章的人群中，产生过这样想法的孩子与家长并不占少数。那为什么不愿意学习乐理？因为它难？当然不是，一部分原因可能是不了解“乐理是什么”，另一部分原因则是很多人觉得，相比于音乐的学习，乐理显得枯燥乏味，因为它的“枯燥”，本能的选择逃避，忽略了重要性。
但是学过乐理的人都会总结出一些经验——有了乐理的支撑，乐曲好像并没有以前那样难懂，反而理解的更加自如、深刻。
乐理能带来什么？
1：更精准的识谱与识拍的学习。
大量的经验告诉我们，在孩子学琴的过程中，节奏与节拍是一个需要度过的难关。因为对于初步接触的乐曲，想要弹出情感，单单弹对音符是不行的。这时，节奏与节拍便需要乐理基础支撑。乐理知识是看懂乐谱的基础因素，单单从节拍上说，乐理知识是直接告诉我们音乐应该怎么演奏的方法之一。它让孩子更好的把握情感。
2：加强对于调性等音乐知识的掌握
拿调性来说，演奏任何一首曲目，都要清晰他的调式。都说，很多孩子在较初的练习中，总是出现找不到音的状况。这是因为在开始演奏以前，没有做好基础的乐理、曲谱的分析工作，脑中没有明确这首曲目用的是什么样的节拍，什么样的调式等。所以，在认真开始练习以前，乐理知识的学习与运用是极为重要的不可省略的步骤。
3：加深对音乐的理解。
对于音乐的理解，是孩子演奏的进阶阶段。熟悉了音符、音律，便需要与曲子本身进行磨合。乐理是可以更多的方面诠释乐曲的情感、音律、以及抑扬顿挫、起承转合的好的方法。而每一首乐曲的辗转，不正是乐曲的精华与情感所在么。所以，在孩子没有办法进入乐曲需要的状态时，便可以更加尝试深入的挖掘乐理知识解决问题。
那学好乐理需要注意什么呢？
，理论；
第二：体系；
第三：框架；
第四：实践。
解释一下，条——理论。理论是实践的基础。如果没有原理支撑，没人知道下一步应该怎么做。所以乐理中出现的词汇、专有名词，孩子需要尽力掌握。
第二条：体系。学习乐理不是“两天打渔三天晒网”的事，长久的积累加上正确的方***是学生的选择。把每一部分汇成一条直线灌输在脑海中，会是一个突破自我音乐素养的机会。
第三：框架。框架和上一条中的体系有密不可分的联系，同时也有细微差别。这里的框架是指学习阅历中，我们应该从何学起的方法与方法的整体构架。并且，在学习完乐理以后，脑中存在一个基本概况，每一部分介绍的是什么乐理知识。
第四：实践。虽说理论是实践的基础。但是没有实践的过程就无法把理论变为现实。因此多尝试从乐理的角度分析，说不定可以让孩子豁然开朗，获得不一样的收获。
说了这么多，是希望孩子能够在音乐学习中重视乐理知识的学习，理解其重要性。并且，希望老师在课程上重视学生乐理知识体系建设。
在这里，向大家推荐一门适合钢琴老师、高考生等有一定乐理基础的学习者学习的课程——“小帅的实用乐理课。”通过这门课程的学习完善自己的乐理知识体系，可以更好的教好乐理课。
体系明确的乐理知识，有利于构建乐理框架，因此小帅乐理课从调与调号开始讲解，从简至难，随着能力的提升，加入转位和旋、旋律大小调、民族五声调式的判定分析、民族七声调式的判定分析等等。
乐理课共设15章节，分为40节课，运用很多简便快捷的思维方式提升反应与正确率，想要更加有趣的体味乐理的知识，便可以深入的了解下“小帅乐理课”。
适用对象
在我平时的教学中， 会发现大量的音乐老师缺乏完备的乐理知识与和声知识，所以在面对演奏作品的分析时，缺乏理性思考；在即兴伴奏学习时，知识断层或思考非常慢；甚至在基础的乐理等级测试中，都反映出大量的基础知识不扎实的问题。
我觉得这些问题源自于基础乐理并没有学的很扎实，没有完善的思考方式，导致遗忘或压根没学好。所以我觉得我课程的适用对象为：
1，高考生；
2，从事乐器与音乐理论教学的教师；
3，即兴伴奏学习者；
4；资格证、编制考试的准教师；
5，想学好乐理的人！
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